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martes, 23 de enero de 2018

10 FESTIVALES DE ARTE EN EUROPA PARA SACAR AL ARTISTA QUE LLEVAS DENTRO

“Arte” es uno de los conceptos que más han cambiado a lo largo de la historia, pues siempre ha estado ligado al momento histórico y a la sociedad en el que se ha desarrollado. Lo que hoy en día coincidimos todos es que una obra artística tiene que desencadenar necesariamente una reacción a quien la está observando, bien sea tanto positiva como negativa.

Cualquier época del año es buena para disfrutar y conocer más sobre las múltiples disciplinas del arte. Si el año pasado te presentamos nuestra selección de arte urbano, para este queremos sugeriros 10 festivales de arte en Europa para sacar al artista que llevas dentro. ¡No te los puedes perder!
Swab Art Fair.- Barcelona, España

Swab Art Fair

Swab Art Fair se hace en Barcelona cada año y tiene como objetivo hacer del arte una modalidad más accesible a todo tipo de público. Swab sigue ofreciendo en su octava edición oportunidades para los nuevos artistas emergentes, galerías y profesionales del arte que comienzan su carrera profesional en el sector y quieren abrirse paso en el mercado del arte. Partiendo de esto último Swab creó MYFAF en el 2011, proyecto en el que varias galerías noveles tienen la oportunidad de estar presente en la feria bajo el patrocinio de la misma. La feria también quiere fomentar el coleccionismo de arte proporcionando precios asequibles en las obras de los jóvenes artistas presentes en ella. Swab Art Fair contó el año pasado con 60 galerías distintas procedentes de 20 países que aportaron piezas de 165 artistas.
Fechas: Del 1 al 14 de Octubre del 2015
Precio de la entrada: Los precios para este año aún no están firmados pero pronto se darán a conocer en la página web del festival.
Artistas presentes en el festival: En la edición anterior se pudieron contemplar piezas de artistas como David LaChapelle, Stéphane Henry, Andrea Wallgren o Ana Alenso.
Museumn8.- Ámsterdam, Holanda

Museumn8
La Noche de los Museos de Ámsterdam (Museumn8) es una cita anual para los apasionados del arte más nocturnos en donde alrededor de 50 instituciones culturales abren sus puerta fuera de su horario habitual para recibir a sus visitantes. El concepto de esta noche cultural no es nuevo, pues también se puede disfrutar en otras ciudades como, por ejemplo, Berlín (llamada Die Lange Nacht der Museen). Durante esta noche se podrá disfrutar de diferentes tipos de eventos en las instituciones participantes.
Fechas: El evento tiene lugar el primer sábado de Noviembre, con un horario de apertura desde las 19.00 hasta las 2.00.
Precio de la entrada: Una entrada para la Noche de los Museos cuesta alrededor de 18.50€, precio que además incluye el ticket para el transporte público de la ciudad. Los tickets suelen acabarse rápidamente así que ¡no tardes en hacerte con tu entrada!
Artistas presentes en el festival: Aún no se conoce quién encabezará la Amsterdam Night, pero en otras ediciones estuvo presente, por ejemplo, André Kuipers.
Art Copenhagen.- Copenhague, Dinamarca

Art Copenhaguen

La feria de arte a Art Copenhague presenta este año su 19 edición, una vez más, queriendo mostrar las diferentes disciplinas artísticas. En esta feria tendrán presencia las mejores galerías tanto de Dinamarca como de fuera de ella, contribuyendo a realizar un evento de lo más profesional e internacional y atrayendo así cada año a más coleccionistas y visitantes. Art Copenhagen tampoco se olvida de los más primerizos profesionales del arte: las galerías con menos de 5 años de vida cuentan con un precio más asequible para tener su propio espacio en la feria. Tanto galerías como instituciones, museos y artistas independientes pueden solicitar su lugar en Art Copenhague y presentar proyectos o instalaciones antes del plazo establecido. Además, para este año la feria contará con actividades para niños, rutas guiadas gratuitas y diferentes eventos relacionados con el arte.
Fechas: Del 18 al 20 de Septiembre.
Precio de la entrada: Adultos 95 DKK y estudiantes y menores de 18 años 50 DKK. Niños menores de 12 años entran gratis acompañados por un adulto.
Artistas presentes en el festival: En la pasada edición estuvieron presentes artistas como Cristian Todie, Daniel Brici, Anca Danila, Francisc Chiuariu, Radu Belcin o Flavia Pitis.
MS Artville.- Hamburgo, Alemania

Copyright: “Artville Richtfest” por Pablo Heimplatz

MS Artville no es la típica exposición de arte en la que el visitante observa cuadros colgados de paredes blancas, si no que se trata de un espacio al aire libre situado en el puerto industrial. MS Artville forma parte del festival de música de MS Dockville realizado anualmente en Hamburgo-Wilhelmsburg. Este espacio dedicado al arte combina las obras de artistas internacionales con proyectos de diferentes colectivos artísticos. Además, para hacer el festival más atractivo, durante las cuatro semanas que dura ofrecerán diferentes tipos de comida y también se realizarán algunos conciertos, performances y eventos varios. ¡Una cita de lo más atractiva!
Fechas: Del 25 de Julio al 15 de Agosto
Precio de las entradas: El precio de la entrada general es de 6.20€ y para los eventos especiales 12.80€.
Artistas presentes en el festival: Para la próxima edición no se han anunciado todavía los artistas participantes.
Lofoten International Art Festival LIAF.- Lofoten, Noruega

Foto por Kjell Ove Storvik

Lofoten es una ciudad muy peculiar: se trata de un archipiélago por encima del círculo polar ártico y es donde se celebra cada dos años este festival internacional de arte. Los orígenes de LIAF se remontan a 1991 cuando tan solo era un exhibición de arte local y no fue hasta 1999 cuando adoptó un perfil más internacional. Hoy en día LIAF muestra trabajos de artistas internacionales enmarcado en un contexto local y busca ser una feria abierta, experimental contando además con un programa con eventos tales como charlas y ser un lugar de encuentro para artistas. El tema para la edición del 2015 es sobre las ideas de la acción humana en relación con los proceso históricos, la ecología y la tecnología.
Fechas: Del 28 de Agosto al 27 de Septiembre
Precio de la entrada: El festival es completamente gratuito, incluyendo las visitas guiadas.
Artistas presentes en el festival: Desde sus orígenes han pasado artistas como Gillian Wearing, Lawrence Weiner, AK Dolven, Ken Lum, Olafur Eliasson, Mari Slaattelid, Elmgren & Dragseth, Gardar Eide Einarsson, Pipilotti Rist y Geir Tore Holm.
Printemps de l’Art Contemporain.- Marsella, Francia

Flickr – mingusmutter

A lo largo de todo un mes, el Printemps de l’Art Contemporain ofrece una amplia variedad de exposiciones eventos que incluyen performances, pintura, escultura y poesía. El programa se desarrollará en instituciones, galerías y espacios experimentales situados en los diferentes puntos de Marsella. Durante los cuatro días que dura la inauguración del festival se invita a conocer a la gente la ciudad desde el punto de vista del arte contemporáneo gracias a rutas guiadas y diferentes eventos.
Fechas: La inauguración es el 13 de Mayo. Del 14 al 17 de Mayo se llevarán a cabo las visitas guiadas por las galerías y hasta el 21 de Junio se mantendrán las exposiciones.
Precio de las entradas: El precio varía dependiendo la galería a visitar, pero oscila entre la entrada gratuita a los 5€.
Artistas presentes en el festival: Alrededor de 270 artistas estarán presentes en el festival: desde cofundador del Accionismo Vienés Hermann Nitsch hasta el artista neo-realista francés Raymond Hains
Artisti in Piazza.- Pennabilli, Italia

Foto por Andrea Foschiatti

Desde 1997 se celebra en Pennabilli, localidad situada a tan solo 4 kilómetros de Rimini Rimini, este festival que abarca desde la performance hasta las artes visuales. Teatro, conciertos, juegos, magia, etc tendrán lugar desde la mañana hasta la noche durante los cinco días que dura el festival. Más de 60 compañías nacionales e internacionales llenarán las calles de Pennabilli para dar rienda suelta a la imaginación y la creatividad.
Fechas: Del 29 de Mayo al 2 de Junio.
Precio de la entrada: 8€ el viernes y 12€ el sábado, domingo, lunes y martes. También hay pases por días: 37€ 5 días, 34€ 4 dias, 24€ viernes sábado y domingo, 24€ sábado, domingo y lunes o domingo, lunes y martes, 20€ 2 días. Entrada gratuita niños hasta los 14 años.
Artistas presentes en el festival: En la pasada edición participaron muchos artistas como Alessandro de Luca, Zirkus Frak o Leo Bassi.
Kilkenny Arts Festival.- Kilkenny, Irlanda

Flickr – David Bergin

Aunque el Kilkenny Arts Festival lleva a sus espaldas 40 ediciones, sigue manteniéndose como un festival de referencia en Kilkenny con la acogida anual de importantes artistas, escritores, músicos y actores a nivel mundial. Durante los diez días que dura el festival, en los puntos más populares de la ciudad irlandesa se realizan eventos de todo tipo: conciertos, actos al aire libre y desfiles así como recitales poéticos. Desde sus inicios en la década de los ‘70, la música clásica ha sido el eje principal del festival y aún hoy en día continúa siéndolo.
Fechas: Del 7 al 16 de Agosto del 2015
Precio de la entrada: El precio de las entradas depende del tipo de evento al que se quiera asistir.
Artistas presentes en el festival: The Cardinalls Musick, Maya Homburger, István Várdai, Sax Allemande.
Mons, Bélgica

Flickr – Tom Alsberg

Mons no es el nombre de ningún festival como tal, sino que se trata de la Capital Europea de la Cultural de este año situada en Bélgica. Mons (o Bergen en neerlandés) celebra este título por todo lo alto con alrededor de 300 actos culturales, la inauguración de 5 nuevos museos y 2 salas de conciertos además de eventos artísticos alrededor de toda la ciudad durante todo el año. No te olvides echar un ojo a su programa en su página web.
Fechas: Todo el 2015 en Mons
Precio de la entrada: Los precios pueden variar según el tipo de espectáculo al que se quiera acudir. Se pueden los chequear los precios aquí.
Artistas presentes en el festival: Durante este año se podrá disfrutar de exposiciones de grandes artistas como Van Gogh entre otras muchas más.
Jungkunst.- Winterthur, Suiza

Jungkunst es un festival en Winterthur formado por un número muy reducido de jóvenes artistas (25 en total) que tienen la oportunidad de presentar sus obras al público por primera vez. Para participar en el festival, todos los artistas han debido de mandar su solicitud de interés previamente y haber sido elegidos por un jurado experto en la materia. ¿El objetivo del Jungkunst? Promover a los jóvenes y desconocidos artistas para que se abran camino en el mundo del arte. Además de la exhibición de las obras, el festival contará con djs y conciertos que amenizarán las jornadas.
Fechas: Del 22 al 25 de Octubre.
Precio de la entrada: La entrada es gratuita pero se admiten donaciones para apoyar a la organización del festival.
Artistas presentes en el festival: Aún no se conocen los artistas presentes en la próxima edición, ya que hasta el 30 de Abril se han admitido solicitudes.

Fuente: https://www.goeuro.es/blog/festivales-de-arte-en-europa/

ETAPAS DEL ARTE EN EUROPA DESDE EL RENACIMIENTO

La siguiente descripción es una somera sintesis de los mas destacados artistas de Europa a partir del siglo XV, desde esta misma pagina puedes acceder a conocer la vida y obra de casi todos los artistas nombrados en dicha descripción.
A comienzos del siglo XV, Europa occidental estaba dominada artísticamente por una concepción medieval que, al servicio de grandes príncipes, se expresaba mediante fantasías. Los pintores flamencos Campin,Van Eyck y luego Van der Weyden, emprendieron el regreso a la realidad mediante la reproducción fiel de las apariencias externas.

Rogier van der Weyden (c. 1399-1464), pintor flamenco de mediados del siglo XV, destacado por el carácter innovador de sus composiciones religiosas dentro de la pintura de su época. Por lo general, las obras del pintor flamenco Rogier van der Weyden tratan sobre temas religiosos. En esta obra de 1435 aproximadamente, (actualmente en el Museo del Prado-Madrid) Conocido por el carácter innovador y dinámico de sus composiciones, en El descendimiento de la cruz.

Al mismo tiempo, artistas florentinos planteaban la cuestión artística centrándola en el hombre y, por tanto, dando a su obra una dimensión definida y real en espacio y tiempo. Brunelleschi, Donatello y Masaccio iniciaron así, en sus respectivas artes, la corriente renacentista, aplicando los principios de la anatomía y la perspectiva.

Masaccio (1401-1428), el primer gran pintor del renacimiento italiano cuyas innovaciones en el empleo de la perspectiva científica abrieron el periodo de la pintura moderna. La expulsión del Paraíso (c. 1427) es uno de los seis frescos que Masaccio pintó en la capilla Brancacci de Santa Maria del Carmine, Florencia. El carácter innovador de estas obras reside en sus figuras de aspecto casi escultórico y en su fuerza dramática y emocional.

En torno a 1500, las preocupaciones humanistas de los artistas florentinos recibieron nuevos impulsos que hicieron llegar a sus últimas consecuencias el espíritu del Renacimiento: Leonardo, a partir de la experiencia; Rafael, por la relación de afectos y el pensamiento eclesiológico, y Miguel Ángel, por su lucha atormentada con la materia en razón de su fe religiosa, son las figuras señeras de esta etapa.

Los humanistas eran intelectuales, eruditos de formación universitaria, que comenzaron a resucitar obras filosóficas, históricas o literarias de la antigüedad grecorromana.Sus ideas se vinculaban con las aspiraciones de los sectores burgueses, que adquirieron mayor poder en la sociedad.

Entre tanto, algunos pintores germánicos –Durero y Holbein, comomás destacados- difundían en el área centroeuropea y anglosajona los principios renacentistas que, asentados en la tradición medieval, daban sus mejores frutos en el ámbito del retrato y del grabado.

Alberto Durero (1471-1528), artista alemán, una de las figuras más importantes del renacimiento, conocido en todo el mundo por sus pinturas, dibujos, grabados y escritos teóricos sobre arte, que ejercieron una profunda influencia en los artistas del siglo XVI de su propio país y de los Países Bajos.

A lo largo del siglo XVI, los pintores venecianos opusieron a los florentinos una preocupación esencial por el color, interpretado por Tiziano con equilibrio clásico, en la fábula mitológica; por Tintoretto, a través del lenguaje manierista en fantasmagorías religiosas, y por Veronés, como cronista de fastos decorativos.

Jacopo Robusti, Il Tintoretto (1518-1594), pintor manierista veneciano, fue uno de los artistas más destacados del último tercio del siglo XVI. Su obra sirvió de inspiración para el desarrollo del arte barroco. El baño de Susana (c. 1550, Museo del Louvre, París), está basado en la historia del citado personaje bíblico acusado falsamente de adulterio por dos ancianos. Durante el siglo XVI, este tema sirvió de pretexto a los pintores de la época para representar la figura femenina desnuda.

Preocupación paralela a la de éste mostró el arquitecto véneto Palladio, uniendo arquitectura y naturaleza, mientras Vignola, su contemporáneo, preparaba el barroco en Roma creando la iglesia contrarreformista. Herrera, que completó El Escorial, inició un estilo geométrico y austero de amplia repercusión en el arte castellano durante más de medio siglo (estilo herreriano).

El Escorial es uno de esos lugares en el mundo que suele atrapar la atención de miles de turistas, que a penas llegados a la región quedan totalmente encandilados por la belleza arquitectónica e histórica, envuelta por la inmensidad de la hermosura natural.

Antes de que finalice el siglo XVI, Carracci y Caravaggio encarnan una tendencia opuesta al manierismo dominante y a su intelectualismo, volviendo a la naturaleza por vías de belleza idealista o de extremado realismo. Nacía así la pintura barroca, que habría de hallar la máxima expresión de la realidad en el dinamismo y exuberancia del flamenco Rubens, en la transfiguración luminosa y psicológica del holandés Rembrandt y en la sencilla y difícil veracidad del sevillano Velázquez.

Caravaggio (1573-1610): La actividad de Caravaggio se desarrolló en Roma desde 1591 aproximadamente hasta 1606, en que, después de haber matado a un hombre en una riña, emprendió una huida que solo cesaría con su muerte. A su trágica vida corresponde una pintura de extrema tensión moral y religiosa. Caravaggio busca la verdad y rechaza el arte como actividad intelectual según lo entendía el manierismo.

Así, su obra aparece como realidad en que los temas religiosos no son historia ni alegoría sino hechos presentes y cotidianos. En un caminar incansable, que aparece como revolucionario desde sus primeras obras romanas, su estilo queda definido por composiciones unitarias, brutales contrastes de luz y sombra, atmósferas y personajes reales que atraen al espectador y le impresionan por el drama vivido en cada escena. En las últimas obras, el realismo se hace exacerbado y las figuras se agrupan en una zona del cuadro, golpeadas por los efectos de luz, creando un ambiente de desolación y tragedia.

Carracci (1560-1609): Con su hermano Agostino y su primo Ludovico, Annibale Carracci fundó en Bolonia la «Accademia degli In-camminati» para la formación de pintores y la enseñanza del estilo de los grandes maestros del siglo xvi; por eso su tendencia se ha calificado de clasicista. El estilo de los Carracci reúne experiencias venecianas, de Correggio, Rafael y Miguel Ángel, entre otros, pero la esencia de su lenguaje no radica en estas influencias sino en el dominio exaltado de la imaginación, extendiendo la experiencia de lo real a lo posible.

Por ello no resulta muy exacto el calificativo de ecléctico (mezcla) que tradicionalmente se ha venido aplicando a su estilo. La capacidad creadora de Carracci permite además obras tempranas de claro realismo popular como La carnicería de Oxford (1585) y otras tardías como la Huida a Egipto de Roma (1603) de espléndido paisaje ideal y lleno de sentimiento. La belleza del ritmo y del color conmueven y captan poderosamente la atención.

Pasado el primer cuarto de siglo XVII, el barroco penetra en la arquitectura a través de la obra romana de dos arquitectos enfrentados: Bernini, también escultor, de arte teatral, pero equilibrado y apasionadamente cristiano, y Borromini, de formas onduladas y cambiantes, frenético y angustiado; unos años más tarde, Guarini, en Turín, desarrollaría con extrema fantasía las ideas del último.

En el postrer tercio del siglo XVII, los artistas franceses, más racionales y clasicistas, se expresaban con grandeza armónica y proporcionada como homenaje a Luis XIV, el Rey Sol, relacionando en Versalles todas las artes.

Mientras, en España, Churriguera acaba definitivamente con lo herreriano en un estilo opulento y dinámico que dejó larga estela, sobre todo en el retablo castellano.

José B. de Churriguera (1665-1725):Churriguera parece haber sido entre todos ellos el artista más original, creativo e influyente.Sobre lo churrigueresco circulan vulgarmente algunas interpretaciones erróneas y, por lo general, peyorativas. Ni es una la personalidad de los Churriguera, ni los tres artistas más distinguidos de la dinastía -los hermanos Benito (1665-1725), Joaquín (1674-1724) y Alberto (1676-1750), madrileños- son los más característicos representantes del barroco exuberante y recargado que domina en los retablos y edificios castellanos de la primera mitad del siglo XVIII. Por otra parte, la importancia y calidad de su labor en el campo arquitectónico y decorativo del pleno barroco es un hecho indiscutible.

El carácter sustancialmente ornamental del barroco logra su último esplendor por obra del turinés Meissonnier, cuyos hallazgos en torno a la roca marina -la rocalla- y otras formas asimétricas sirven de base al amable estilo rococó, tan acorde con las exigencias de la sociedad francesa del segundo tercio del siglo XVIII.

El redescubrimiento de la antigüedad desplazó definitivamente, en el último tercio del siglo, a lo barroco y rococó, dando lugar al llamado neoclasicismo; fue el escocés Adam quien acertó a aplicar la decoración antigua a la arquitectura y a otras artes suntuarias.

Por encima de lo rococó y lo neoclásico, anunciando impresionismos y expresionismos, el aragonés Goya, a caballo entre los siglos XVIII y XIX, mostró una imaginación y una audacia creadora como pintor y grabador que inaugura espiritualmente el arte moderno. Ya en el siglo XIX, las tendencias pictóricas se suceden en Francia e irradian al resto de Europa. Neoclasicismo y romanticismo dominan la primera mitad del siglo.

Romanticismo: movimiento artístico que se inicia en el segundo decenio del siglo XIX y que supone una reacción contra el academicismo neoclásico. Se caracteriza, en pintura, por el gusto por temas históricos, literarios, y por los paisajes, a través de los cuales se comunica una emoción personal con sensibilidad apasionada.

Despues de 1848, las reivindicaciones sociales y políticas, los avances de la técnica y la ciencia, repercuten de forma importante en la pintura: irrumpe el realismo de Courbet despreciando idealismos y fantasías para poner en primer término los aspectos más prosaicos de la vida cotidiana.

Sobre 1870, una nueva tendencia surge en el panorama francés, representada por Monet como su cultivador más genuino: el impresionismo, con sus estudios del efecto de la luz sobre el color y las formas. Y poco más tarde, Cézanne, al ver en la naturaleza formas geométricas esenciales, comienza a derribar el sistema de representación natural que, en sustancia, permanecía inalterado desde el Renacimiento.

El Renacimiento a partir del siglo XIV, fue una nueva etapa del pensamiento y déla cultura y se la denomina Renacimiento. Fue un período de sorprendentes inventos en el mundo de la ciencia. Se desarrolló la imprenta, se hicieron descubrimientos astronómicos, hombres osados se dedicaron a explorar mares desconocidos y la pintura, la escultura, la arquitectura y la literatura también se transformaron de manera asombrosa.

Claude Monet (1840-1926): En los años inmediatos a la guerra de 1870 un grupo de pintores -Monet, Pisarro, Sisley y Renoir principalmente- se sitúan el margen de cualquier imitación de tendencias precedentes y realizan una nueva pintura a la que un crítico denominó despectivamente impresionismo inspirándose en el título de una obra de Monet expuesta en 1874, Impresión: sol naciente. Aparece este pintor como el creador más original y principal representante de las conquistas técnicas y estéticas del grupo.

Sin los matices sociales o políticos de los realistas, mediante una concepción estrictamente pictórica -que, sin embargo, hallará la misma oposición entre los conservadores- Monet buscará la realidad cromática y formal bajo los efectos de la luz. En la base de su arte se halla el pintar al aire libre y el colorido claro.

La luz transforma y altera los colores y también las propias formas, de manera que el paisaje y sus elementos surgen como visiones instantáneas no repetibles temporalmente. Preocupación primordial es el estudio de los reflejos de la luz en el agua, que tienen consistencia real semejante a la de los elementos reflejados. Este lenguaje alcanza su mayor pureza en los años en que pinta en Argenteuil (1872-78), a pesar del virtuosismo que revelan sus series sobre un mismo tema –analizando los efectos de la luz a diferentes horas- que constantemente realiza a partir de 1889.

El cubismo que Picasso inventó hacia 1909 –imágenes mentales, no naturales, representación simultánea y en el mismo plano de los distintos elementos que constituyen una figura o un objeto- inaugura una nueva era artística.

La aportación de Kandinsky -su primera acuarela abstracta es de 1910-, al prescindir de cualquier motivo cognoscible y utilizar solo formas y colores, completaba la revolución.

Solo unos años más tarde, tres arquitectos, Gropius, Mies van der Rohe y Le Corbusier, pioneros de una nueva etapa racionalista y humanista, trataban con sus edificios de mejorar la vida humana a través de la modificación de la vivienda y la ciudad. Hasta su muerte lucharon por conseguir que sus ejemplos no quedaran en meras obras artísticas aisladas, sino que su multiplicación práctica contribuyera al bienestar general del hombre sobre la Tierra.

Fuente Consultada: https://historiaybiografias.com/etapas_arte_europa/